El director y dibujante Kiril Polikárpov compartió su perspectiva sobre la evolución de este arte en la pantalla, así como el legado de los artistas de animación soviéticos, cuya contribución fue fundamental para el desarrollo de la animación a nivel mundial.
El 28 de octubre se celebra el Día Mundial de la Animación, una fecha que conmemora un hito histórico en el arte del movimiento: en 1892, el pintor e inventor francés Émile Reynaud presentó al público las “imágenes animadas”, las primeras caricaturas proyectadas.
—El 28 de octubre se celebra el Día Mundial de la Animación. Esta fecha conmemora la primera proyección de “imágenes animadas” realizada en 1892 por el pintor e inventor francés Émile Reynaud. Se considera el origen del cine de animación. ¿Cómo surgió la animación?
—La animación nació antes que el cine. El primer dibujo animado fue creado a mano, utilizando pinturas en color. Su autor, Émile Reynaud, tardó aproximadamente seis meses en producir una animación de dos minutos. Algunas de sus películas han llegado hasta nuestros días. Entre ellas, destaca una dedicada a la historia de Colombina y el triángulo amoroso entre ella, Arlequín y Pierrot.
Reynaud también diseñó un aparato especial que se asemejaba a una cinta de video desmontada. Este dispositivo utilizaba dos bobinas que enrollaban una cinta especial, a la que se unieron placas de gelatina transparentes con dibujos de personajes. Mediante un ingenioso sistema de cristales y espejos, estas imágenes se proyectaban sobre un fondo en movimiento, utilizando una “linterna mágica” para crear la ilusión de movimiento.
Sin embargo, esta tecnología no pudo competir con el cine, que apareció poco después. Como resultado, Émile Reynaud enfrentó serias dificultades financieras. Devastado, destruyó su invento y lo arrojó al río Sena. Su historia es, sin duda, un triste episodio en la historia de la animación.
—No obstante, la animación siguió desarrollándose. ¿Por qué?
—A pesar de este trágico inicio, la animación continuó evolucionando. Otros animadores comenzaron a dibujar imágenes no en cintas, sino en papel, para luego filmarlas con cámaras de cine. Además, pronto se desarrolló una cámara de cine especial para tomas en lapso de tiempo, lo que permitió crear efectos visuales innovadores y ampliar las posibilidades narrativas del medio.
—¿Cómo surgieron los inicios de la animación en Rusia?
—Los pioneros de la animación en Rusia fueron Vladislav Starévich (1882-1965) y Alexánder Alekséev (1901-1982). Starévich, quien originalmente era entomólogo, tenía la ambición de crear una película naturalista sobre insectos. No obstante, se enfrentó a un obstáculo inesperado: al encender los reflectores, los escarabajos se dormían, posiblemente debido a un reflejo provocado por la luz.
A continuación, “La venganza del operador cinematográfico”, la cual es considerada su mejor obra. En este proyecto el cineasta trabajo junto a su esposa. (NdR Bricslat)
Decidido a resolver este problema, Starévich primero intentó fabricar marionetas a partir de insectos disecados. Sin embargo, estas se deterioraban durante el rodaje. Finalmente, tras varios ensayos y errores, ideó la creación de figuras articuladas que le permitieron realizar animaciones más complejas. Su innovación marcó un hito en el desarrollo de la animación.
Por otro lado, Alexánder Alekséev también dejó una huella imborrable. Fue el inventor de la pantalla de un millón de agujas, un dispositivo revolucionario en la animación. Al igual que Starévich, Alekséev emigró tras la revolución y se estableció en Francia. Existe una anécdota que asegura que, durante esa época, todas las agujas desaparecieron de las tiendas de costura en París. Alekséev manipulaba con destreza la longitud de las agujas y la iluminación para crear efectos visuales impresionantes, siendo considerado, de manera simbólica, como el inventor del píxel.
Recientemente, salió a la luz otro pionero de la animación en Rusia: el coreógrafo del Teatro Mariinski, Alexánder Shiriáev (1867-1941). Se descubrió que realizaba animaciones con marionetas en la intimidad de su habitación. Estas obras fueron encontradas accidentalmente en el desván de la casa donde vivía.
Sin embargo, no se puede afirmar que los trabajos de Shiriáev fueran dibujos animados en el sentido estricto. Su intención era capturar secuencias de movimientos de ballet para demostrar a sus estudiantes la estructura de la danza. Aunque sus obras no se consideran animaciones tradicionales, representan un interesante precedente dentro de la historia de este arte.
La Flor Escarlata – Lev Atamánov/Soyuzmultfilm, 1952
La bella y la bestia es una populfar trama folclórica europea que fue interpretada para un cuento de hadas ruso, llamado La flor escarlata por el escritor Serguéi Aksákov en el siglo XIX. ¿Qué tiene de diferente La flor escarlata? También hay un padre que trabaja duro, pero es un comerciante que emprende viajes por mar a tierras lejanas. (NdR Bricslat)
—¿Qué etapa marcó el siguiente avance en la evolución de la animación?
—Con la llegada de las cámaras de lapso de tiempo, los artistas comenzaron a trabajar directamente sobre papel. Utilizando clavijas especiales, fijaban las hojas en la mesa y dibujaban sucesivamente cuadro por cuadro. Sin embargo, este método producía animaciones con movimientos algo irregulares y siluetas primitivas.
La solución llegó de la mano del estadounidense Walt Disney, quien revolucionó el proceso al inventar un sistema de producción en cadena para crear dibujos animados. Su innovación consistió en desarrollar un método en el que no se dibujaba fotograma a fotograma, sino de una pose clave a otra, dejando los fotogramas intermedios para ser completados por artistas encargados de los bocetos preliminares.
Una vez aprobados por el director, los dibujantes detallaban cuidadosamente los personajes siguiendo las plantillas proporcionadas por el diseñador de producción. Para integrar los personajes con los fondos, Disney adoptó el uso de celuloide transparente, una técnica que permitía superponer capas y mejorar el dinamismo visual.
En 1934, Disney envió sus películas al Festival Internacional de Cine de Moscú. Para muchos, sus obras fueron un auténtico impacto, ya que no comprendían cómo era posible lograr semejantes efectos visuales. Por encargo del gobierno, una delegación soviética visitó el estudio de Disney. Posteriormente, el estudio Soyuzmultfilm adaptó y recreó este método de producción en cadena para el desarrollo de animaciones en la Unión Soviética.
Una niña viaja a una tierra helada para buscar a un amigo, prisionero de una reina sin corazón… Basada en el cuento de Hans Christian Andersen. Una bella reina intenta mantener a su lado a su verdadero amor. Estrenada el 22 de octubre de 1957 (NdR Bricslat)
—¿Qué aportaron los animadores soviéticos a la evolución de la animación?
—Los animadores soviéticos realizaron importantes aportes al desarrollo de la animación. Uno de sus descubrimientos clave fue que el ojo humano no percibe diferencias significativas entre dos imágenes secuenciales muy similares. Con base en esta observación, introdujeron la técnica de disparo en dos cuadros, que consiste en duplicar cada fotograma. Esta innovación permitió acelerar el proceso de producción y reducir la carga de trabajo de los dibujantes.
Otra tecnología destacada fue la translación. Este método empleaba marionetas con partes desmontables que se desplazaban sobre una superficie de vidrio. La habilidad del animador radicaba en mover las piezas de una fase a otra, recordando las posiciones iniciales y finales. Cuando se aplicaba correctamente, los movimientos resultaban tan suaves y fluidos como los logrados con el método de diseño de disparo. Uno de los principales exponentes de esta técnica fue Yuri Norshtein, quien alcanzó un nivel de perfección tal que era casi imposible distinguir entre las escenas grabadas y los dibujos animados. Además, muchos directores soviéticos de la época experimentaron con tecnologías combinadas, fusionando distintas técnicas para crear animaciones visualmente ricas y complejas.
Director: Yuri Norstein Year: 1975
—¿Cómo ha afectado el desarrollo de las nuevas tecnologías a la animación? ¿Qué nuevas oportunidades ha brindado?
—Lo más relevante sigue siendo el personaje: su historia, su carácter. Los aspectos técnicos, aunque importantes, juegan un papel secundario. Ningún ordenador, por sí solo, es capaz de crear personajes, desarrollar una idea, escribir un guion o diseñar un storyboard.
Hoy en día, está de moda la animación en 3D. Sin embargo, si analizamos detenidamente los productos de los estudios más avanzados en esta área, podemos notar que, en realidad, están regresando a esa imagen orgánica, realizada a mano por el artista, pero con la asistencia de la tecnología informática.
Un claro ejemplo de esto es la reciente película Wild Robot de DreamWorks. Aunque fue realizada en 3D, con una visualización y detalles impresionantes, se le aplica un sombreador, un programa especial que transforma la imagen, dándole un estilo que recuerda a la pintura.
—¿Qué distingue a los dibujos animados modernos en cuanto a tema, trama y desarrollo de personajes?
—Tras la Gran Guerra Patria, alrededor de 70 veteranos trabajaron en el estudio Soyuzmultfilm. Estos hombres no solo habían visto la guerra en la pantalla, sino que la vivieron en carne propia. En esos años, la animación se convirtió para ellos en un elixir, un medio para el renacimiento del alma. Las caricaturas de aquella época estaban impregnadas de luz y bondad. Quienes habían sufrido los horrores de la guerra no podían quedarse amargados ni indiferentes. Al contrario, conservaron una calidez y un optimismo increíbles. Esas películas representan lo clásico de la animación mundial.
En las narraciones de Uspénskiy, Cheburashka es un pequeño y gracioso animal, desconocido para la ciencia, que vive en un bosque tropical. Accidentalmente se mete en un cajón de naranjas, come mucho y se queda dormido.. (NdR Bricslat)
—¿Cómo estimaría Ud. el estado actual de la animación nacional?
—Lamentablemente, en la década de 1990, con el cruce de eras, se rompió la continuidad entre generaciones. Durante los 70 años de existencia del estudio Soyuzmultfilm, se acumuló una vasta experiencia. Ningún artista soviético se permitió caer en la vulgaridad de copiar el estilo de otros ni robar ideas. Cada uno de ellos mantenía su autenticidad, logrando un estilo propio y original, lo que hizo que los dibujos animados soviéticos fueran tan valorados.
Sin embargo, gran parte de la animación nacional contemporánea carece de esa singularidad. El enfoque principal ha sido el componente financiero: producir rápido, mucho y barato. Esto, con frecuencia, se hace a expensas de la calidad, la belleza y el aspecto espiritual.
A lo largo de la historia, la animación ha sido una herramienta poderosa para educar a las generaciones más jóvenes. Pero para lograrlo, debe ser significativa, con bromas inteligentes y amables, útiles tanto para adultos como, sobre todo, para niños. Somos una nación espiritualmente rica, y esto se refleja en los dibujos animados soviéticos. Para revivir nuestra identidad en la animación, tal vez debamos mirar hacia atrás.
El estudio de animación ruso Animaccord creó una serie de televisión animada llamada Masha y el oso, la cual se estrenó en 2009. Aunque está basada, en líneas generales, en el cuento folklórico ruso del mismo nombre, la historia es completamente diferente, en la animación, Masha y el Oso son amigos, y ella lo visita siempre por voluntad propia. (NdR Bricslat)
Asesoría y Corrección: Bricslat (Argentina)
Fuentes:
- https://russian.rt.com/nopolitics/article/1387176-istoriya-animaciya-intervyu-multfilm
- https://rv-ryazan.ru/old/news/6928.html
